Anthropocene – Invisible Changes
January 21- February 18, 2023
Artist Introduction at Czech Center (321 E 73rd St, New York, NY)
January 19th, 2023, 7PM
Opening Reception (Front Room Gallery 727 Warren St, Hudson, NY)
January 21st 5-8PM
A cultural exchange exhibition with artists from Czech Republic and artists from the United States presented in exchange with Galerie kritiků, Prague, Czech Republic
featuring
Sasha Bezzubov, Pamela Longobardi, Stephen Mallon, Lucie Svoboda Mičíková, Edita Pattová, Jan Pfeiffer, Petra Gupta Valentová, Kathleen Vance
ANTHROPOCENE – INVISIBLE CHANGES, DEDICATED TO THE TOPIC OF GEOCHRONOLOGY, HOW HUMANITY GLOBALLY AFFECTS THE TERRESTRIAL ECOSYSTEM. A CULTURAL COLLABORATIVE EXHIBITION WITH VISUAL ARTISTS FROM CZECH REPUBLIC AND THE UNITED STATES OF AMERICA
The Anthropocene is a relatively new term in the field of geochronology, introduced by scientists to denote the period when humanity began to globally influence the Earth's ecosystem. The term is composed of two Greek words "anthropos=man" and "kainos=new". It was introduced by ecologist Eugene Stoermer at the beginning of the millennium and popularized by Nobel Prize-winning atmospheric chemist Paul Crutzen. He considered the influence of human behavior on the Earth's atmosphere to be so significant that he advocated that modern human history be designated as a new geological period. At present, however, it is not yet clear at what point the Anthropocene should begin. According to some considerations, this should be the period of the Industrial Revolution, when the presence of carbon and methane in the Earth's atmosphere began to increase in the early 19th century. However, man began to influence the Earth already several thousand years ago, for example with the discovery and expansion of agriculture about eight thousand years ago. The Anthropocene would then include a larger part of the Holocene, or it would even be just another name for the Holocene (the second and last epoch, also known as the younger Quaternary). It represents the youngest geological period that began with the end of the last ice age and is still ongoing. The end of the Ice Age is characterized by a large-scale climate change - gradual warming. This period is also sometimes referred to as the Ice Age (Postglacial). Given the fact that ice ages are repeated and alternated with shorter interglacials, the Holocene is probably the most recent interglacial
The Anthropocene Working Group (AWG) now takes the position that the beginning of this period should optimally be placed in the middle of the 20th century, when there was a significant increase in population, industrialization and globalization as such. The reason is the nuclear tests peaking in the 1950s, as a result of which artificial radioactive particles got into the soil. The proposal was addressed by the International Commission on Stratigraphy, and the AWG voted by majority in May 2019 to adopt the form of the proposal to introduce the Anthropocene as an official geological period, the next discussion of which is planned for this year 2021.
We are aware of the visible changes around us in terms of the environment, climate change, problems with water and soil moisture, open for discussion not only by experts, but also by all of us. We find ourselves at a time when we are increasingly witnessing both visible and invisible changes caused by human actions. Changes that happen slowly, in time and space in different places, sometimes on a smaller scale, sometimes on a massive and destructive scale. But what is certain is that changes are taking place on the surface and hidden deep in the landscape, in climate disturbances, in the lack of water supply, in society and in ourselves. New processes have entered our future plans and are inevitable. They dwell in our minds, fears and perhaps even hopes. No borders, no social and cultural differences are respected here.
The theme of visible and invisible changes unites four Czech and four American artists who reflect the changes in this exhibition. The Anthropocene exhibition follows on from the previous Metaplay exhibition project (2015-2016), which brought together Czech and American artists at the Gallery of Critics in Prague and later at the National House in New York. The title used as a metaphor for a game within a game, a story within a story, according to its original meaning. From a conceptual point of view, this term was fundamental, emphasizing the principle of appropriating certain methodological procedures or concepts taken from the history of art or part of visual reality. He also pointed to the demise of closed systems of thought and their updated deconstruction. It also included the possibility of connecting different techniques in the sense of intermediality with an emphasis on interactive communication with the viewer. The permanent exhibition, including a discussion with experts, would also take place this time during the duration of the exhibition at the Critics' Gallery in Prague, as well as the Front Room Gallery and the National House in N.Y.
US Participants:
Sasha Bezzubov The series of photographs entitled "Albedo Zone" addresses the issues of climate change on earth through black and white photographs that deal with the so-called Albedo effect (its typical example is the feedback of snow temperature - if (as the snow-covered area warms and the snow melts, the albedo decreases, more solar radiation is absorbed, contributing to further warming. The reverse is also true - a cooling cycle applies as snow forms). This photography series consists of light images of ice and dark images of water, showing the transformation of ice from an element that cools the planet to one that warms it. The work was created in Alaska, a part of the world where global warming and thawing are extreme. Alaska, like many arctic regions, contains vast amounts of water in the form of glaciers and sea ice. As glaciers continue to melt, rising sea levels could spell disaster for the half of the world's population that lives near the coast.
Pamela Longobardi's Through the Drifters Project, Longobardi’s work begins as a direct intervention on behalf of our oceans and culminates in large sculptural pieces that protest selfish production cycles and the careless abandonment of plastic waste. The collected objects incorporated into her installations reflect the crisis of our modern "plastic age" and emphasize the consequences of business, consumption and wastefulness of human society, but also draw attention to the subtext of powerful invisible forces of nature, causing the demolition and transformation of the objects we create.
Stephen Mallon “Next Stop Atlantic” is a series of photographs which depicts the recycling of NYC subway cars by throwing them into the Atlantic to create artificial reefs. The Metropolitan Transportation Authority has recycled more than 2,500 train sets in this way, and Mallon has followed its program for a number of years. This series holds optimism in the innovation of salvaging techniques, showing the possible gains that can be made as industrial waste is revivified. In “Next Stop Atlantic” Mallon determinedly tracks the final stage of the lives of these, once indispensable modes of transit for passengers on the New York subway lines, canonizing them in New York history.
Kathleen Vance is an environmental artist who creates projects that connect people with local aspects of nature, commonly overlooked or undervalued. The "Traveling Landscapes" series consists of miniature landscape objects made of natural materials, placed inside vintage suitcases and luggage. In his series, the bucolic scenes move beyond time into the romantic space of nature, with fictional lush greenery and flowing streams. These objects draw attention to the human construct land ownership, the right of landowners to water and the need for individual and social care to preserve our green spaces and water resources.
Participants from the Czech Republic:
during the covid crisis, the four exhibiting artists stayed with their families and children in a rural environment of living nature, solving their work commitments by commuting to the city. The exhibition expresses the changes in their lifestyle in relation to society and their work.
Edita Pattová (*1982, Prague) graduated from FAVU at VUT Brno (department of Jana Preková) and was awarded by scholarships at the School of Fine Art, University of Leeds, and FAMU (Film and TV School, Academy of Performing Arts), Prague. She received 4th prize at IXth International Biennale of Contemporary Art in Florence (2013), at present she exhibits her drawings in photographs at Osten Biennial in Skopje. She was nominated twice for the “Prize of Critics” in Prague (2008, 2013), the “ESSL Art Award” in Vienna and the “Sovereign Art Prize” in London (2011). She lives and works in Prague.
Jan Pfeiffer (1984)
Edita Pattová, “Bohemian Paradise” materials: silver-gelatin print with a drawing on the negative
Jan Pfeiffer (1984) is a visual multimedia artist, lives and works in Prague. He studied at KU at the Faculty of Pedagogy, but completed his master's degree at the Prague Academy of Arts in the studio of Jiří Příhoda. In 2010, he completed a semester internship at Cooper Union in New York. In 2015, he was nominated for the Czech Lion by the Film and Television Academy for the best scenography for his work on the film Cesta Ven. In 2009, he won the first Henkel Award. In the same year, he received the Jury Prize in the Other Visions 2009 competition as part of the PAF animated film show. It deals with the relationship of man to the architecture of the environment, in the transformation of artificial projects into natural ones and vice versa. For him, it is a restoration of the original and natural experience of man with the world, guaranteeing his identity. Until now, the awareness of the threat to human identity consisted of considerations of excessive technicization and the dominance of scientific knowledge, in informatics and the mediatization of experience, in the struggle between natural language and artificial language. Now we are talking about the difference between what we see and what we know about reality. Expressing the memory of this difference gives birth to a new sensitivity, responsibility and authenticity - whether through a drawing, a photograph, an object or a spatial installation.
Lucie Svoboda Mičíková (1986)
Lucie Svoboda Mičíková (1986) is a graduate of the Academy of Fine Arts in Bratislava (Intermedia and multimedia studio of Prof. Ilona Németh). Her work straddles the boundaries of lability and stability, destruction and immutability. It is an interplay of materials based on the creation of temporary objects, collages or spatial installations. The author is interested in architectural artifacts, which she realizes in the form of drawings and installations. Spontaneity and playful improvisation with assembled materials is expressed here by layering and accumulation into fragile constructions of the environment on the border between architectural and organic. The construction is conceived similarly to a shrine, it is a fixation of a place not only in the sense of spatial boundaries, but also as an expression of fleeting perceptions, memories, experiences, ideas. The artist's drawings depict subtly tectonic, fibrous structures, which can be understood as a justification of the view of the world and its complicated, structurally interconnected whole. In the realizations When the peaks of our sky come together, My house will have a roof (2015), Milky river (2016), House freed from floors (2019), the author also takes up drawings and frottages, in which architectural elements are transformed into landscape compositions. Here, the poetics of the material is multiplied by the spatial use.
Petra Gupta Valentová
Prepared by Mgr. Vlasta Čiháková Noshiro Ph.D.,
curator of the project and Gallery of Critics in Prague
-------------------------------------------------- -------------------------------------------------- -------------
TRANSLATION BELOW/ PŘEKLAD NÍŽE:
-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Titul: „Antropocén – neviditelné změny / Anthropocene – Invisible Changes“
Termín výstavy: červen 2022 v Praze, podzim 2022 v N.Y.
Místo výstavy: Galerie kritiků, Palác Adria, Jungmannova 31/36, Praha 1, ČR a Front Room Gallery, 48 Hester Street, N.Y., USA (viz na obr.)
Kurátoři: Kathleen Vance a Petra Valentová, Vlasta Čiháková-Noshiro
Téma: Antropocén je poměrně nový termín z oblasti geochronologie, zavedený vědci se snahou označit období, kdy lidstvo začalo globálně ovlivňovat zemský ekosystém. Pojem je složen ze dvou řeckých slov „anthropos=člověk“ a „kainos=nový“. Zavedl jej ekolog Eugene Stoermer na počátku tisíciletí a popularizoval ho atmosférický chemik Paul Crutzen, držitel Nobelovy ceny. Považoval vliv lidského chování na zemskou atmosféru za natolik významný, že prosazuje, aby moderní dějiny lidstva byly označeny za nové geologické období. V současnosti však není ještě ujasněno, kterým okamžikem by antropocén měl začínat. Podle některých úvah by se mělo jednat o období průmyslové revoluce, kdy na počátku 19. století začala růst přítomnost uhlíku a metanu v zemské atmosféře. Člověk ovšem začal ovlivňovat Zemi již před několika tisíci lety, třeba s objevem a rozšířením zemědělství před zhruba osmi tisíci lety .Antropocén by pak zahrnoval větší část holocénu, nebo by dokonce byl jen jiným označením pro holocén (druhá a poslední epocha, známá také jako mladší čtvrtohory). Představuje nejmladší geologické období, které začalo s koncem poslední doby ledové a stále trvá. Konec doby ledové charakterizuje rozsáhlá klimatická změna – postupné oteplování. Toto období se někdy označuje také jako doba poledová (postglaciál). S vědomím skutečnosti, že doby ledové se opakují a jsou střídány kratšími dobami meziledovými, je holocén pravděpodobně nejnovější dobou meziledovou
Pracovní skupina věnující se antropocénu (AWG) nyní zastává stanovisko, že počátek tohoto období by měl být optimálně zařazen do poloviny 20. století, kdy došlo k významnému růstu populace, industrializace a globalizace jako takové. Důvodem jsou jaderné testy vrcholící v 50. letech, v jejichž důsledku se do půdy dostaly umělé radioaktivní částice. Návrh byl řešen Mezinárodní komisí pro stratigrafii a AWG většinově odhlasovala v květnu 2019 podobu návrhu o zavedení antropocénu jakožto oficiálního geologického období, jehož další projednání je plánováno na tento rok 2021.
My si uvědomujeme zviditelňující se změny kolem nás, pokud jde o životní prostředí, proměny klimatu, problémy s vodou a vlhkosti půdy, otevřené diskusi nejen odborníků, ale i nás všech. Ocitáme se v době, kdy stále více jsme svědky viditelných i neviditelných změn, způsobených lidským jednáním. Změn, které se dějí pomalu, v čase a prostoru na různých místech, někdy v menším, někdy v masivním a destruktivním měřítku. Jisté ale je, že ke změnám dochází na povrchu i skrytě hluboko v krajině, v poruchách klimatu, v nedostatku zásobování vodou, ve společnosti i v nás samotných. Nové procesy vstoupily do našich budoucích plánů a jsou nevyhnutelné. Přebývají v naší mysli, obavách a možná i nadějích. Nerespektují se tu žádné hranice, ani společenské a kulturní rozdíly.
Téma viditelných a neviditelných změn spojuje čtyři české a čtyři americké umělce, kteří změny reflektují na této výstavě. Výstava Antropocén navazuje na předchozí projekt výstavy Metaplay (2015-2016), jež sdružovala české a americké umělce na půdě Galerie kritiků v Praze a později i v Národním domě N.Y. Název použit jako metafora pro hru ve hře, příběh v příběhu, podle svého původního významu. Z koncepčního hlediska byl tento termín zásadní, zdůrazňoval princip přivlastnění určitých metodických postupů či koncepcí převzatých z dějin umění anebo části vizuální reality. Rovněž upozorňoval na zánik uzavřených systémů myšlení a jejich aktualizovanou dekonstrukci. Zahrnoval také možnost propojení různých technik ve smyslu intermediality s důrazem na interaktivní komunikaci s divákem. Stávací výstava, zahrnující besedu s odborníky, by se odehrávala také tentokrát během trvání výstavy v Galerii kritiků v Praze, dále Front Room Gallery a Národním domě v N.Y.
Účastníci z USA:
1/ Kathleen Vance (vystavující kurátorka, 1979) - environmentální umělkyně, jež vytváří projekty, spojující přístupy lidí s lokálními aspekty přírody, běžně přehlíženými nebo podceňovanými. Série „Traveling Landscapes / Cestovní krajiny“ sestává z miniaturních objektů krajin z přírodních materiálů, umístěných dovnitř starých historických kufrů a zavazadel. Bukolické scény se ve své sériii posouvají mimo čas do romantického prostoru přírody, s fiktivní bujnou zelení i tekoucími toky. Tyto objekty upozorňují na zacházení lidí v osobním vlastnictví půdy, právo majitelů pozemku na vodu a potřebu individuální i společenské péče pro zachování našich zelených ploch a vodních zdrojů.
2/ Sochy a prostorové instalace Pamely Longobardi (1958) jsou ukázkou předmětů a jejich fragmentů vyvržených z oceánu na znečištěná pobřeží v různých zeměpisných oblastech, nashromážděné umělkyní postupem času. Objekty reflektují krizi naší moderní „plastové doby“ a zdůrazňují následky byznysu, spotřeby a nehospodárnosti lidské společnosti, také však upozorňují na podtext mocných neviditelných přírodních sil, způsobujících i demolici a transformaci předmětů, jež vytváříme. Mezinárodně známá umělkyně je považována za ekofeministku, žijící a pracující v Georgii, v Atlantě. Velká část její práce zahrnuje komunitní výzkum, jako jsou uhlíkové nebo plastové audity. V r, 2013 byla Longobardi vyznamenána Cenou The Hudgens Prize a v r. 2014 získala titul profesorky umění na Distinguished University ve státě Georgia. Od r.2019 je odbornou poradkyní Radou regentů státu Georgia.
Sasha Bezzubov (1965) - fotograf narozený v Kyjevě a žijící v N.Y., řeší v cyklu nazvaném „Albedo Zone“ otázky klimatických změn na zemi prostřednictvím černobílých fotografií, jež se zabývají tzv. Albedo efektem (jeho typickým příkladem je zpětná vazba teploty sněhu - pokud se v oblasti pokryté sněhem oteplí a sníh taje, albedo se sníží, je absorbováno více slunečního záření, což přispívá k dalšímu oteplování. Obráceně to platí také - při vytváření sněhu se uplatňuje ochlazovací cyklus). Série fotografií sestává ze světlých obrazů ledu a tmavých obrazů vody, což ukazuje přeměnu ledu z prvku, který ochlazuje planetu na prvek, který ji ohřívá. Práce byla vytvořena na Aljašce, v části světa, kde je globální oteplování a rozmrazování extrémní. Aljaška, stejně jako mnoho arktických oblastí, obsahuje obrovské množství vody ve formě ledovců a mořského ledu. Jak ledovce stále tají, stoupající hladina moří může znamenat katastrofu pro polovinu světové populace, která žije poblíž pobřeží.
4/ Stephen Mallon (1973) - série fotografií nazvaná “Next Stop Atlantic” zachycuje recyklaci vozů metra NYC tak, že jsou vhozeny do Atlantiku a vytvořeny z nich umělé útesy. Metropolitní dopravní úřad tímto způsobem zrecykloval více než 2 500 vlakových souprav a Mallon sledoval tento jeho program po řadu let.
V r. 2009 Mallon udělal velký pracovní úvod do své série „Brace for Impact: The Salvage of Flight 1549“, fotografií dokumentujících záchranu letu US Air, kdy se kapitánovi letadla podařilo bezpečně nouzově přistát na řece Hudsonu. Na jaře 2012 umělec představil na své třetí samostatné výstavě fotosérii „Americká rekultivace“, jež zaznamenává a zkoumá americký recyklační průmysl. Mallonovy práce často vyžadují celé měsíce nebo roky výroby. Jeho krátký film o přepravě a instalaci nového mostu Willis Avenue vznikl z více než 30 000 fotografií. Jeho nejnovější projekt, zadaný časopisem New York Times Magazine měl zadání fotografovat „Největší loď na světě“, největší plovoucí stavbu v Jižní Koreji, jaká kdy byla postavena. „Sea Train“- jeho výstava z The New York Transit Museum byla k vidění na jaře 2019 v Grand Central Terminal v New Yorku a vidělo ji více než 60 000 lidí. Mallonovy fotografie byly oceněny společnostmi Communication Arts, Photo District News, The New York Photo Festival, The Lucie Awards, International Color Awards a Photo Lucida’s Critical Mass top 50 roku 2011.
---------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Účast z ČR: vystavující čtyři umělci pobývali v době covidové krize i s rodinami a dětmi ve venkovském prostředí živé přírody, pracovní závazky řešili dojížděním do města. Expozice vyjadřuje změny jejich životosprávy ve vztahu ke společnosti a jejich tvorbě.
Jan Pfeiffer (1984) je vizuální multimediální umělec, žije a pracuje v Praze. Studoval na KU na Pedagogické fakultě, avšak magisterské studium absolvoval na pražské AVU v ateliéru Jiřího Příhody. V r. 2010 absolvoval semestrální stáž na Cooper Union v New Yorku. V r. 2015 byl nominován na Českého lva filmovou a televizní akademií za nejlepší scénografii za práci na filmu Cesta Ven. V r. 2009 získal první cenu Henkel Award. V témže roce obdržel Cenu poroty v soutěži Jiné vize 2009 v rámci přehlídky animovaného filmu PAF. Zabývá se vztahem člověka k architektuře životního prostředí, v proměně umělých projektů k přirozeným a naopak. Jedná se mu o obnovu původní a přirozené zkušenosti člověka se světem, zaručující jeho identitu. Dosavadní vědomí ohrožení lidské identity spočívalo v ohledech na nadměrnou technizaci a nadvládu vědeckého poznání, v informatice a medializaci zkušenosti, v boji přirozeného jazyka s umělým. Nyní mluvíme o rozdílu mezi tím, co vidíme a tím, co o skutečnosti víme. Vyjádření paměti tohoto rozdílu rodí novou citlivost, odpovědnost a opravdovost – ať už prostřednictvím kresby, fotografie, objektu nebo prostorové instalace.
2/ Lucie Svoboda Mičíková (1986) je absolventkou Vysoké školy výtvarných umění v Bratislavě (Intermediální a multimediální ateliér prof. Ilony Németh). Její práce s pohybuje na hranicích lability a stability, destrukce a neměnnosti. Je souhrou materiálů, založených na tvorbě dočasných objektů, koláží nebo prostorových instalací. Autorka se zajímá o architektonické pranostiky, jež realizuje formou kreseb a instalací. Spontánnost a hravá improvizace se sestavenými materiály je zde vyjádřena vrstvením a kumulací do křehkých konstrukcí prostředí na pomezí architektonického a organického. Konstrukce je pojímána podobně jako svatyně, je fixací místa nejen ve smyslu prostorových hranic, ale také jako výraz pomíjivých vjemů, vzpomínek, zkušeností, nápadů. Kresby umělkyně zobrazují jemně tektonické, vláknité struktury, jež lze chápat jako zdůvodnění pohledu na svět a jeho komplikovaný, strukturálně provázaný celek. V realizacích Když se spojí vrcholy naší oblohy, Můj dům bude mít střechu (2015), Mléčná řeka (2016), Dům osvobozený z pater (2019) se autorka ujímá také kresby a frotáže, v nichž architektonické prvky jsou transformovány do krajinných kompozic. Poetika materiálu se tu znásobuje prostorovým využitím.
3/ Adam Vačkář (1979) má titul Magistra umění (MA) na École Nationale Supérieure des Beaux-arts v Paříži a Bakaláře umění (BA) na pražské akademii. Základní aspekt jeho tvorby, tj. důsledná syntéza konceptuálního gesta jakožto estetické formy a nositele idejí, však vychází spíše z francouzského studijního prostředí. Umělec již představil svou tvorbu na různých mezinárodních skupinových i samostatných výstavách v Centre Pompidou, Centre Pompidou Metz, Palais de Tokyo, na Bukurešťském trienále, Pražském trienále, v Městské galerii Praha, Národní galerii v Praze, na Art Basel, v Kolíně nad Rýnem Kunstverein, Muzeum Morsbroich, SMAK apod. Je spoluzakladatelem pražské kolektivní Hope Recycling Station, organizující přednášky a projekty mezinárodních umělců, kurátorů, spisovatelů a filozofů. Dlouhodobě vytváří ekonomicko-ekologický program, vycházející z kritiky konzumního systému. Od sociálně angažovaných projektů (Margin of Hope, 2013), vycházejících z konktrétní ekologické krize v pohoří Atlas v Maroku, přešel postupně do projektů imaginární, uvědomělé dystopie budoucnosti. Jeho nejnovější projekty se zabývají tématem ekologické krize, krásou toxicity a marností ničení, proměnou živé tkáně v plastické médium a transformací krajiny. Pracuje na vizi technické a duchovní syntézy budoucnosti.
4/ Petra Gupta Valentová (vystavující kurátorka, 1974), žije a pracuje v Praze, New Yorku a Jaipuru. Je členkou uměleckého kolektivu TART v N.Y. Po absolvování AVU v Praze se účastnila programu MFA na Hunter College, CUNY v N.Y. V r. 2015 absolvovala doktorandum na UMPRUM a tématem její disertační práce byla etika designu a současné tendence v tradičním indickém dřevotisku. Po seznámení s indickým manželem totiž autorka našla rezidenci ArtInn v Džajpuru, kde poprvé před sedmi lety zkusila tradiční indický dřevotisk na potisk látek. S látkami i tiskem experimentovala a čím více spolupracovala s místními dřevotiskovými dílnami, tím více se zamýšlela nad etikou tvorby a prací tradičních řemesel. S tiskařkami z Bagru (tzv. Bagru Bhabhis - BBs) dělá dnes autorka workshopy a společně vytvářejí dezény. Bagru je vyhlášené místo, kde se pracuje s přírodními barvivy, jako je železitá černá, červená z kořene mořeny barvířské (madder, rubia tinctorum), šedohnědá minerální barva zvaná kašiš, a také indigo pro modrotisk.
Pro stávající výstavu autorka připravuje sérii tzv. Mentálních map, vznikajících od r.2019
jako ruční výšivky na bavlněném plátně s přírodními barvivy (dřevotisk, modrotisk) a ruční kresby na archivním papíře (akryl, inkoust, archivní pero). Série pracuje s neviditelnými procesy kolem i uvnitř nás, reflektuje vnější i vnitřní svět autorky. V psychologii jsou mentální mapy popisované jako mentální reprezentace světa, založené na subjektivních vjemech a zahrnující pozitivní i negativní pocity jedince z určitého místa a prostředí. Výzkum naznačuje, že mentální mapy se liší podle národnosti, regionu, etnického původu, pohlaví, vzdělání a socioekonomické třídy.
-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Zpracovala Mgr.Vlasta Čiháková Noshiro Ph.D.,
kurátorka projektu a Galerie kritiků v Praze
Petra Gupta Valentová (exhibition curator, 1974), lives and works in Prague, New York and Jaipur. She is a member of the TART art collective in N.Y. After graduating from AVU in Prague, she participated in the MFA program at Hunter College, CUNY in N.Y. In 2015, she completed her doctoral studies at UMPRUM, and the topic of her dissertation was design ethics and current trends in traditional Indian woodblock printing. After meeting her Indian husband, the author found the ArtInn residence in Jaipur, where she first tried traditional Indian woodblock printing on fabrics seven years ago. She experimented with fabrics and printing, and the more she collaborated with local woodblock workshops, the more she thought about the ethics of creation and the work of traditional crafts. Today, the author holds workshops with the printers from Bagru (so-called Bagru Bhabhis - BBs) and together they create designs. Bagru is a famous place for working with natural dyes, such as ferruginous black, red from the dyer's root (madder, rubia tinctorum), a gray-brown mineral color called kashish, and also indigo for blue printing.
For the current exhibition, Valentová is presenting a series of mental maps, created with hand embroideries on cotton canvas with natural dyes (woodblock print, blue print) and hand drawings on archival paper (acrylic, ink, archival pen). The series works with invisible processes around and inside us, reflects the author's outer and inner world. In psychology, mental maps are described as mental representations of the world, based on subjective perceptions and including positive and negative feelings of an individual from a certain place and environment. Research suggests that mental maps vary by nationality, region, ethnicity, gender, education, and socioeconomic class.